Как черно-белые фильмы становятся цветными?

Зачем снимать черно-белое кино в наши дни?

Less is more (меньше значит больше) — не идеальная заповедь, но очень часто она работает. Например, в отношении цвета в кино. Убирая цвет, можно достичь нужного психологического эффекта, приблизиться к канонам старого жанра или, наоборот, отойти от проторенного пути, который сам себя исчерпал.

Для Мартина Скорсезе переломным фильмом стал черно-белый «Бешеный бык», который переписал фильмографию режиссера и обозначил конец празднично-кокаиновых 1970-х и их узнаваемой эстетики.

Джим Джармуш, вышедший из нью-йоркской новой волны и панк-андеграунда, вернулся к своим первым опытам черно-белой съемки в «Мертвеце» — в цвете этот фильм стал бы настоящим китчем.

Пустынный и вкрадчивый триллер «Человек, которого не было» братьев Коэн — это кивок в сторону голливудского нуара, в котором отсутствие цвета в фильме — продолжение главного героя, непонятного окружающим и себе самому.

«Последний киносеанс» и «Бумажная луна» Питера Богдановича — признание в любви классическому Голливуду с его простыми историями и наивными главными героями, которым в брутальные 1970-е уже не было места в цветной реальности.

И, естественно, когда Вуди Аллен решает снимать черно-белое кино, этому тоже всегда есть причина. Снять идиллический «Манхэттен» в цвете посреди криминала конца 1970-х, красных огней и флуоресцентных вывесок у него просто не получилось бы. Когда Аллен придумывал «Воспоминания о звездной пыли», ему не давала покоя история Феллини о режиссере, который не может ни снять свое кино, ни выпутаться из него. Придумывая мокьюментари «Зелиг», он вписывает героя-хамелеона в кошмарную реальность первой половины XX века и пародирует старую документальную хронику.

Черно-белый встречается как у Михаэля Ханеке, так и у Джорджа Клуни — как бы они ни были далеки друг от друга. А после переполненных залов на «Артисте» Мишеля Хазанавичуса миф о том, что зрителям непременно нужно цветное кино со спецэффектами и диалогами, развеялся совершенно.

Еще 10 фильмов, которые сняли без цвета, и правильно сделали

Алиса в городах

Вим Вендерс, 1974

Трогательная и меланхоличная картина Вима Вендерса, рифмующаяся с вышедшей на год раньше «Бумажной луной» и продолжавшая традицию роуд-муви в европейском кино.

Мой Виннипег

Гай Мэддин, 2007

Канадский режиссер во всех своих фильмах собирает по кусочкам хрупкое настоящее или заново придумывает забытое и утерянное прошлое.

Я всегда хотел быть гангстером

Жан Рошфор, 2007

Черная французская комедия о неудачливых преступниках, переигрывающая все существующие клише о бандитском кино и от этого гомерически смешная.

Забойщик овец

Чарльз Бернетт, 1977

Один из лучших примеров афроамериканского кинематографа — мощная драма конца 1970-х о жизни в гетто и беспощадной обреченности даже после отмены сегрегации.

Дурная ночь

Гас Ван Сент, 1985

Первый режиссерский опыт, в котором уже отчетливо видны черты Гаса Ван Сента, которого мы знаем.

Ленни

Боб Фосс, 1974

https://youtube.com/watch?v=0XmL5Lgl3S4

Триумф Дастина Хоффмана в роли затравленного комика в драме Боба Фосса, который известен своим умением вынимать душу, показывая карнавал.

Человек кусает собаку

Бенуа Пульворд, 1992

Одна из главных черных комедий и образец сурового бельгийского юмора — мокьюментари о съемочной группе, которая сначала снимает откровения серийного убийцы, а потом сама включается в дело.

Зависимость

Абель Феррара, 1995

Невероятный метис из тех, на которые способен только Абель Феррара: укушенная вампиром главная героиня бродит по черно-белому городу и ищет спасения. Самый невампирский фильм на свете.

Кафка

Стивен Содерберг, 1991

Стивен Содерберг снимает Кафку, попавшего к себе в книги: умело расставляет зеркала и ловушки и дает самую убедительную и небуквальную экранизацию сжимающейся вселенной писателя.

Кафе «Донс Плам»

Р.Д. Робб, 2001

Подростковая драма без сантиментов с пронзительными монологами — как водится, в туалете: о том, что притворяться тошно, а жить страшно.

Молодые режиссеры
о будущем кинематографа

В рамках совместного проекта МегаФон 4G и «Роскино» пять молодых российских режиссеров представили свои фильмы во время кинофестиваля в Каннах. Каждый из них снял на камеру мобильного телефона Nokia Lumia 920 минутный фильм о поездке в Канны: «60 секунд. Для тех, кто не ждет».

Евгений Баранов

Еще в 1927 году С. М. Эйзенштейн в «Заявке» выразил опасения, что звуковое кино пойдет по иллюстративному пути и будет лишь озвучивать то, что происходит на экране. С цветом то же самое — если это лишь копирование действительности, если в этом нет художественного замысла, если за этим нет автора — никакие визуальные аттракционы не будут иметь смысла. В идеале цвет — это язык, на котором говорит автор. Достаточно вспомнить Микеланджело Антониони, Джузеппе Бертолуччи или Вонга Карвая — как точно, как осмысленно они подходили к цветовым решениям сцен в своих фильмах.
Я в каком-то смысле ретроград. Для меня на первом плане всегда остаются история и актер, а не совершенная картинка. Мой мастер, Владимир Иванович Хотиненко, всегда говорит своим студентам: «За миллион и дурак снимет, а вы попробуйте малыми средствами». У нас на третьем курсе даже было задание, снять фильм-признание в любви на мобильный телефон. На показе был фурор. Все истории получились очень остроумными и, главное, художественными. Не нужно бояться — если есть идея, можно и на мобильник снять качественное кино.

https://youtube.com/watch?v=rwUPmYSEvIA

10 операторов, которые сняли великие фильмы, но не попали в учебники

Вилмош Жигмонд

Венгерский оператор, который после событий 1956 года переехал из Будапешта в Америку и едва ли пожалел об этом. Он подарил нам идеальную картинку в фильмографии Роберта Олтмена 1970-х и превосходных фильмах Нового Голливуда — от «Наваждения» Брайана Де Пальмы до «Близких контактов третьей степени» Стивена Спилберга. Снял сенсационный по картинке «Прокол» (1981) и, конечно же, «Охотника на оленей».

Роберт Ричардсон

Оскароносный американский оператор снял добрую половину фильмографии Оливера Стоуна (до середины 1990-х) и последние фильмы Тарантино — обе части «Убить Билла», «Бесславных ублюдков» и «Джанго освобожденного».

Майкл Чэпмен

https://youtube.com/watch?v=BlcsyfGvZF8

Американский оператор Нового Голливуда прогремел сразу после дебюта — фильма «Последний наряд» Хэла Эшби — и снял за 15 лет «Таксиста», «Вторжение похитителей тел», «Странников», «Бешеного быка» и феноменальные по картинке, но недооцененные «Пальцы».

Джанни Ди Венанцо

Итальянский оператор сделал ключевые фильмы Феллини и Антониони — «Восемь с половиной», «Затмение» и «Ночь». Публика влюбилась в Монику Витти, Жанну Моро и Клаудию Кардинале именно благодаря его работе.

Рауль Кутар

Главный спутник Годара в его экспериментах 1960-х, создавший неповторимую картинку французской новой волны — от «На последнем дыхании» до «Уикенда».

Роджер Дикинс

https://youtube.com/watch?v=wPIivI1K6f0

Британский оператор вскоре после отличной работы в «Сиде и Нэнси» и «Грозовом понедельнике» оказался в Голливуде, где снял почти все фильмы братьев Коэн, невыразимо красивое «Убийство Джесси Джеймса» и вернул веру в Бонда в «007: Координаты „Скайфолл“».

Роберт Беркс

Хичкок не был бы Хичкоком без редакции жены и таланта своего главного оператора Роберта Беркса, который снял для него «Окно во двор», «Головокружение», «Птиц», «Марни», «На Север через Северо-Запад». После того как эти шедевры голливудской классики отреставрировали и переиздали к их юбилею, сомнений в операторском мастерстве Роберта Беркса не осталось даже у самых отчаянных скептиков.

Гордон Уиллис

Человек, без которого не было бы всех частей «Крестного отца» (одного этого достаточно, чтобы остаться в истории кино). Сверх того, он снял для Вуди Аллена «Манхэттен», «Энни Холл», «Воспоминания о звездной пыли» и другие лучшие образцы его фильмографии 1970-1980-х, а заодно создал визуальную эстетику «Клюта» и «Бассейна утопленников» — не таких прославленных, но классных по картинке детективов 1970-х.

Саша Верни

https://youtube.com/watch?v=nAtpZg-4-xQ

Французский оператор родился сразу после конца Первой мировой войны и снимал до последних дней жизни в 2001 году, успев оставить след в фильмографии Алена Рене, Луиса Бунюэля и Рауля Руиса. Но его главным партнером стал Питер Гринуэй, вместе с которым они интерпретировали барочную визуальную традицию в главных фильмах британского экспериментатора.

Павел Лебешев

https://youtube.com/watch?v=adzRNbOwbkM

Советское кино с трудом вписывается в общемировой контекст. И не потому что у него не было достижений — являясь мейнстримом и народным кино в СССР, фильмы не могли выйти в заслуженный международный прокат из-за идеологии, ограничения свободы передвижений и железного занавеса. При этом Павел Лебешев, снявший лучшие фильмы в коллекции Сергея Михалкова и Сергея Соловьева, «Восхождение» Ларисы Шепитько и самые народные картины Георгия Данелия, сформировал огромный пласт в визуальной культуре позднего Советского Союза.

Доктор Стрейнджлав, или Как я научился не волноваться и полюбил атомную бомбу

Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb

• США, Великобритания, 1964 год.
• Чёрная комедия.
• Длительность: 95 минут.
• IMDb: 8,4.

Картина об одержимом американском генерале, который в обход высшего командования США организовывает ядерную атаку на СССР. В списке лучших фильмов IMDb она стоит выше остальных шедевров Стэнли Кубрика. Что неудивительно: фильм мастерски высмеивает гонку вооружений холодной войны.

«Доктор Стрейнджлав» получил множество различных наград, в том числе премию Британской академии кино и телевизионных искусств, и занимает третье место в перечне лучших комедий Американского института киноискусства.